LENGUAJE CORPORAL - LENGUAJE VISUAL

Ante la retorica visual actual encontre que se presentan diferencias marcadas con respecto a las de las decadas anteriores, evidentes en la teatralidad y la libertad de la expresion corporal donde el uso de gesticulacion y movimiento son ampliamente usados.
Agradar con la linea del movimiento, agradar y entretener, permitir al espectador adueñarse de las emociones y sensaciones del perpetrador, sensibilizan al que recepciona estos estimulos y le transportan a momentos ideales de bienestar.

En la actualidad los mensajes visuales estan permeados por el acartonamiento y la hegemonia de estimulos, por ello es ahora mas dificil cautivar a espectadores que pierden paulatinamente la capacidad de procesar la informacion y adueñarse de sus contenidos, esta informacion que esta escondida tras los gestos y que ahora se esconde intencionalmente (mensajes subliminales) para sugerir lo que no estamos consientemente dispuestos a captar de manera que esta generacion esta

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CONCEPTOS BÁSICOS Y TÉCNICAS SUBLIMINALES DE ESTIMULACIÓN

La idea de un procesamiento perceptual inconsciente de estímulos externos puede parecer un poco desconcertante ya que habitualmente se considera la percepción como un evento experimental, es decir un proceso que se lleva a cabo mediante nuestros sentidos y de manera consciente.
Probablemente por esta razón algunos psicólogos consideran que el término percepción subliminal era inapropiado. Así por ejemplo Klein habla de "registro subliminal". Según este autor el concepto de percepción implicaría siempre un conocimiento conciente de la identidad de un estímulo o de su significado.
Sin embargo, en la actualidad tiende a abandonarse la noción de percepción como un proceso unitario que comporta necesariamente cierto grado de conciencia, y se tiende a concebir la percepción como un proceso que abarca una serie de estadios o fases de procesamiento de la información proveniente de estímulos externos, gran parte de los cuales tiene lugar fuera de la conciencia.
La percepción subliminal se la puede definir como: un proceso de extracción y análisis de información de estímulos de los que el sujeto nunca es conciente.
Esta ausencia total de representación fenoménica de un estímulo se pone en evidencia cuando, por ejemplo, el sujeto es incapaz de reportar verbalmente la existencia misma del estímulo. Estos estímulos que jamás llegan a la conciencia son los mensajes subliminales. La intensidad o tiempo de exposición mínimo necesario para la detección (consciente) de la presencia de un estímulo, se conoce como el umbral de la conciencia. En este nivel, lo único que los sujetos pueden reportar es que vieron u oyeron "algo" sin poder identificarlo exactamente que és.
Aquellos estímulos que se encuentran por encima del umbral de la conciencia se llaman estímulos supraliminales.
TIPOS DE MENSAJES SUPRALIMINALES
MENSAJES NO ATENDIDOS: aquellos que no resultan concientemente percibidos debido a que el sujeto no presta atención a los mismos, y se los puede traer a la conciencia por el simple acto de atención, en cambio los mensajes subliminales no.
MENSAJES DE SUB-RECONOCIMIENTO: son aquellos que se encuentran por debajo del nivel de intensidad o tiempo de exposición necesarios para la identificación correcta del estímulo.
MENSAJES DE RECONOCIMIENTO: aquellos estímulos cuya intensidad o duración son suficientes para permitir la identificación correcta de los mismos por parte del sujeto.
B) TECNICAS DE ESTIMULACIÓN SUBLIMINAL
En los experimentos subliminales se emplean diversas técnicas de estimulación cuyo objetivo es prevenir el conocimiento conciente de los estímulos por parte de los sujetos.
ENMASCARAMIENTO: esta técnica consiste en la presentación de un estímulo fugaz "A", inmediatamente seguido por otro de mayor duración "B". Por ejemplo, Smith, Spence y Holt, presentaron del dibujo de un rostro humano emocionalmente inexpresivo precedido por brevísimas exposiciones de las palabras "feliz" y "enojado"; el resultado fue que los sujetos tendían a percibir un "rostro feliz" cuando el rostro inexpresivo era precedido por la palabra subliminal "feliz".
ESTIMULACIÓN EMPOBRECIDA DIRECTA: consiste en la exposición directa de un estímulo por debajo del umbral de conciencia o de reconocimiento y la ejecución posterior de una tarea específica. El tipo de respuestas del sujeto frente a esta tarea habrá de poner en evidencia si existió o no un registro no conciente del estímulo en cuestión.
EMPOTRAMIENTO: esta consiste usualmente en insertar el estímulo crítico (como puede ser una palabra o una figura) en el contexto de un material visual mas complejo (como una fotografía) de manera tal que aquel no pueda percibirse a nivel supraliminal. Por lo que estimulo critico se vería camuflado en el material que se presenta al sujeto. Esta técnica es muy empleada en el campo de la publicidad.
ESTIMULACIÓN DICÓTICA: esta técnica consiste en la presentación simultánea de los estímulos (auditivos o visuales) subliminal y supraliminal por canales (auditivos o visuales) diferentes.
MENSAJE SUBLIMINAL EN LA PUBLICIDADLa problemática de la percepción subliminal alcanzó una enorme repercusión pública en los años cincuenta debido a que una empresa comercial dio a conocer en aquella fecha un estudio en el que supuestamente la exposición subliminal de las palabras "coma pocholo" y "tome coca-cola" en el curso de un programa de cine tuvo por efecto incrementar las ventas de esos productos.
La efectividad de la estimulación subliminal en publicidad es una cuestión muy discutida y aún no suficientemente demostrada. Así por ejemplo, Key sostiene que los mensajes subliminales insertados en ciertos avisos publicitarios inciden sobre la preferencia del consumidor hacia determinados productos. Por el contrario, George y Jennings observaron que la exposición subliminal de una marca de chocolate no alteraba las pautas de consumo de los sujetos experimentales.
Estos efectos subliminales pueden potenciarse o bien desaparecer completamente por acción de un cierto número de factores: estructura de personalidad, necesidades biológicas, predisposición cognitiva, estado de conciencia, etc.

TEORIA DE LA PERCEPCION

LA PERCEPCION

Los psicólogos de la percepción reconocen que la mayoría de los estímulos puros de organizados de la experiencia sensorial (vista, audición, olfato, gusto y tacto) son corregidos de inmediato y de forma inconsciente, es decir, transformados en percepciones o experiencia útil, reconocible. Por ejemplo, un automóvil que circula por una carretera se ve de tamaño real, sin tener en cuenta lo pequeña o grande que sea la imagen formada en la retina del observador. Del mismo modo, un tema musical puede ser seguido a través de un conjunto de notas individuales, sin importar cuántas veces haya cambiado el compositor la clave musical. El proceso de percepción no se limita a organizar los estímulos sensoriales directos en forma de percepciones, sino que éstas, por sí mismas, recuperadas de la experiencia pasada, también se organizan favoreciendo una más rápida y adecuada formación del proceso de percepción actual.
El estudio y la teoría de la percepción superan a la psicología teórica y tienen aplicaciones prácticas en el aprendizaje, la educación y la psicología clínica. Una percepción deficiente implica experimentar el mundo como un caos, mientras que una ‘extrapercepción’ —eliminar estímulos que no se ajustan a los esquemas de la percepción o percibir estímulos inexistentes— puede llevar a experimentar el mundo inadecuadamente, con sentimientos de depresión en el primer caso y de alucinación o delirio en el segundo.
A pesar del papel fundamental que la percepción cumple en la vida de las personas y de los organismos más sencillos, sus procesos permanecen poco claros por dos razones principales: primero, porque los investigadores sólo han obtenido un éxito limitado al intentar descomponer la percepción en unidades analizables más simples, y, segundo, porque las evidencias empíricas, científicamente verificables, se hacen difíciles de repetir e incluso de obtener, con lo que el estudio de la percepción sigue dependiendo en gran medida de informes introspectivos, con un alto grado de subjetividad.

TEORÍA DE LA GESTALT

Según la escuela de psicología de la Gestalt, célebre en la década de 1920, la percepción debe estudiarse no analizando unidades aisladas como las sensaciones simples, sino tomando en cuenta configuraciones globales (en alemán, Gestalten) de los procesos mentales. En este sentido, la unidad perceptible real es la forma: una estructura mental que toma sus atributos de una estructura correspondiente a los procesos cerebrales. Los experimentos de los partidarios de esta teoría muestran que la percepción de la forma no depende de la percepción de los elementos individuales que la constituyen. En consecuencia, la cuadratura se puede percibir tanto en una figura hecha con cuatro líneas rojas como en otra hecha con cuatro puntos negros. Del mismo modo, la mente percibe la música no como una suma de notas individuales de varios instrumentos y voces, sino según las leyes de organización que hacen que el individuo perciba una unidad simple y organizada de principio a fin.
Aunque esta escuela hizo importantes contribuciones al estudio del aprendizaje y de los procesos creativos, los informes introspectivos de los que dependía para explicar la percepción continuaron siendo demasiado subjetivos. Es más, los procesos fisiológicos innatos, a los que la psicología gestáltica atribuía las leyes de organización de la percepción, han sido ampliamente refutados.

LA AGRUPACIÓN: Es frecuente que al recibir varios estímulos tendamos a agruparlos con arreglo a una estructura determinada. Por ejemplo: un rostro, un edificio, un paisaje, etc. Las formas de agrupación más frecuentes son:

Por proximidad: Las diferentes distancias de unos estímulos con respecto a otros influyen en que se perciban como unidades aisladas o constituyendo.

Por simetría: Existe una tendencia en nosotros a agrupar los estímulos construyendo con ellos figuras simétricas.

Por semejanza: Por elementos iguales o similares, se estructuran generalmente formando una única estructura.Por continuidad: Los elementos que se agrupan por rectas o curvas de manera continua tiende a ser percibida formando una unidad.

FIGURA/FONDO: Intimamente relacionado con las agrupaciones anteriores está la tendencia a organizar los estímulos estructurandolos en formas tales que se den ciertas figuras destacandose sobre un fondo. En estos casos la figura aparece bien delimitada, destacándose sobre n fondo, presentandose como un fondo informe e indefinido. Con este tipo de agrupaciones la figura tiene el valor de objeto, mientras que el fondo tiene valor de soporte o espacio más o menos indefinido, sobre el que descansa la figura.

EL CIERRE: Cuando una serie de sensaciones nos afecta presntándonos figuras u objetos inacabados, líneas interrumpidas, elementos incompletos, etc. tendemos a estructurarlos construyendo figuras acabadas y perfectas.

EL PRINCIPIO DE CONSTANCIA: Según este principio tendemos percibir las cosas por su color, figura o como estamos acostumbrados a verlas o como son. Por ejemplo, la nieve la vemos blanca aunque sea de noche.

EL MOVIMIENTO APARENTE: Existe el movimiento aparente, no real. Por ejemplo, el constante apagarse y encenderse de bombillas con unos intervalos y unos ritmos. Nos da la impresión de movimiento real, pero recibimos influencias en el acto perceptivo. Nuestros órganos están constantemente bombardeados por una serie de constantes estímulos, pero no nos percatamos de todos ellos, cosa que por otra parte sería imposible. En cierto modo estamos haciendo una selección de nuestros estímulos y sensaciones, selección en la que intervienen una serie de factores. Uno de los factores fundamentales es la percepción. Estos factores que intervienen y condicionan nuestras percepciones los podemos clasificar en externos e internos.

INVESTIGACIONES ACTUALES

Desde el inicio de los estudios sobre la percepción, los psicólogos han intentado diferenciar en el proceso perceptivo lo innato de lo aprendido. Los experimentos en los que ingenuos animales y bebés huían de los llamados ‘acantilados visuales’, se diseñaron para demostrar que la percepción de la profundidad es innata. A través de experimentos similares, los teóricos de esta escuela intentan calcular las proporciones de lo innato y lo aprendido en el comportamiento perceptivo.
Recientemente, sin embargo, muchos psicólogos han llegado a la conclusión de que esta aproximación dicotómica apenas tiene base científica y aporta muy poco al estudio de la percepción, por lo que desde un enfoque más clásico proponen que la capacidad perceptiva proviene de la capacidad animal y humana de organizar la experiencia global de los individuos, lo que significa incluir las múltiples experiencias fisiológicas del desarrollo en la experiencia formal del aprendizaje. Argumentan que, aunque el recién nacido pueda carecer de experiencia visual, tiene sin embargo otras experiencias sensoriales que pueden contribuir a su capacidad para percibir la profundidad en los ‘acantilados visuales’. A través de las primeras experiencias de ese tipo, los animales y los seres humanos aprenden, por así decirlo, cómo aprender.
En un descubrimiento reciente que muestra prometedores avances para desentrañar el misterio del proceso perceptivo, los investigadores de la psicología experimental han descubierto que ciertas células nerviosas y las células de la retina de anfibios y mamíferos pueden reconocer formas y movimientos específicos, en vez de reaccionar simplemente a cantidades dadas de energía luminosa reflejada por los objetos. Estas células responden a configuraciones concretas como discos y anillos, a movimientos concretos de los objetos y a la estimulación simultánea de otras ubicadas también en la retina del ojo.

DISEÑADORES PARA INVESTIGAR

christa sommerer
jorge la ferla
pk langshaw
felipe cesar londoño
Gonzalo Biffarella
Aki Järvinen
Alberto Alessi
Nina Czegledy
Hernando Ángel Madrid
Marta Granados
Antonio Grass
Dicken Castro

METODOS DE DISEÑO

Qué son los metodos de diseño?
Es cualquier forma identificable de trabajar, en el contexto de diseño, el metodo mas comun puede ser el de "diseñar dibujando" como principal ayuda en el momento de desarrollar una idea.
Asi los metodos de diseño son todos y cada uno de los procedimientos, tecnicas, ayudas o herramientas para diseñar y representan un numero de clases distintas de actividades

PROCESOS DE REPRESENTACION

Primitivismo -Técnicas :
Exageración
Espontaneidad
Actividad
Simplicidad
Economía
Plana
Irregularidad
Redondez
Colorismo


Expresionismo - Técnicas:
Espontaneidad
Actividad
Discursividad
Audacia
Variación
Distorsión
Irregularidad
Experimentalismo
Verticalidad


Clasicismo - Técnicas:
Simplicidad
Representación
Simetría
Convencionalismo
Organización
Dimensionalidad
Coherencia
Pasividad
Unidad


Embellecido - Técnicas:
Profusión
Exageración
Redondez
Audacia
Detallismo
Variedad
Colorismo
Actividad
Diversidad


Funcionalidad - Técnicas:
Simetría
Angularidad
Abstracción
Coherencia
Secuencialidad
Unidad
Organización
Economía
Sutilidad
Continuidad
Regularidad
Aguzamiento
Monocromaticidad

TECNICAS PARA LA GENERACION DE IDEAS Y CREATIVIDAD

COMO MEJORAR MI CREATIVIDAD?

La respuesta más simple de todas, basada en el poder de nuestro subconciente es: "De un paseo". Cuántas ideas ha tenido usted mientras estaba haciendo aeróbicos, caminando, trabajando en el jardín, lavando los platos o manejando?. Nuestro subconciente está procesando constantemente ideas y estímulos recibidos de manera consciente. Una técnica útil es trabajar activamente en un problema antes de irse a dormir, permitiendo que el subconsciente se haga cargo. Revise cualquier idea al despertar y tenga a la mano papel y lápiz cerca de su cama para anotar sus ideas.
No hay ningún método seguro que garantice el éxito en la creación de grandes ideas. Un método estructurado puede ser bueno, pero puede en algunos casos ser causa de fracaso y bloqueo para muchas ideas. La verdadera inspiración no es medible físicamente ni tangible de ninguna manera concreta.
Se considerarán métodos específicos de generación de ideas; sin embargo, se debe tener en cuenta que la consideración descansa en una cualidad que no puede ser medida, aunque puede ser dicernida mediante una mente debidamente adaptada. Por ejemplo, cualquier mente que busque adaptación. Esto es porque la creatividad no puede ser limitada, y por lo tanto, cualquier cosa con límites no puede tener creatividad.
Para muchos artistas y creadores, en nuestra sociedad occidental, la creatividad es vista como una tarea que hay que hacer. Existe la percepción de que se requiere trabajo duro para crear las mejores obras. Probablemente, hay grandes artistas que no necesitan excederse en el trabajo para tener éxito mientras hay otros que requieren mucho trabajo. Esta creencia está profundamente arraigada en nuestra sociedad.
La creatividad de una persona puede ser influenciada por su propio punto de vista sobre la creatividad. Una manera de aumentar la creatividad es entender cómo vemos la creatividad propiamente dicha y cómo funciona en el caso de cada uno de nosotros. No podemos enseñarle creatividad a un grupo de personas y esperar que se desempeñen de forma similar.

La creatividad está fuertemente relacionada con la receptividad hacia la vida y lo que ella nos ofrece. Esto significa estar abierto a lo que es verdad respecto a nosotros mismos y a los demás. La creatividad florece cuando aceptamos la verdad acerca de las cosas. Por ejemplo, siempre es verdad que la gente es importante. Si yo trato de alcanzar mis metas desconociendo los derechos o sentimientos de los demás, me estoy engañando y mi percepción de la realidad esta distorsionada. Dado que la creatividad depende de información precisa acerca del medio ambiente de uno, mi falta de interés en otros se convierte en un obstáculo para la creatividad.

MAPAS MENTALES

El cerebro humano es muy diferente a un computador. Mientras un computador trabaja en forma lineal, el cerebro trabaja de forma asociativa así como lineal, comparando, integrando y sintetizando a medida que funciona. La asociación juega un papel dominante en casi toda función mental, y las palabras mismas no son una excepción. Toda simple palabra e idea tiene numerosas conexiones o apuntadores a otras ideas o conceptos.
Los Mapas Mentales, desarrollados por Tony Buzan son un método efectivo para tomar notas y muy útiles para la generación de ideas por asociación. Para hacer un mapa mental, uno comienza en el centro de una página con la idea principal, y trabaja hacia afuera en todas direcciones, produciendo una estructura creciente y organizada compuesta de palabras e imágenes claves. Los conceptos fundamentales son:
*Organización Palabras Clave

*Asociación

*Agrupamiento

*Memoria Visual: Escriba las palabras clave, use colores, símbolos, iconos, efectos 3D, flechas, grupos de palabras resaltados.

*Enfoque: Todo Mapa Mental necesita un único centro. Participación consciente Los Mapas Mentales van asemejandose en estructura a la memoria misma. Una vez se dibuja un Mapa Mental, rara vez requiere ser rediseñado. Los mapas mentales ayudan a organizar la información.

Debido a la gran cantidad de asociaciones envueltas, los mapas mentales pueden ser muy creativos, tendiendo a generar nuevas ideas y asociaciones en las que no se había pensado antes. Cada elemente en un mapa es, en efecto, un centro de otro mapa.
El potencial creativo de un Mapa Mental es util en una sesión de tormenta de ideas. Usted solo tiene que comenzar con el problema básico en el centro, y generar asociaciones e ideas a partir de él hasta obtener un gran número de posibles soluciones. Por medio de presentar sus pensamientos y percepciones en un formato espacial y mediante añadir colores e imágenes, se gana una mejor visión y se pueden visualizar nuevas conexiones.
Los Mapas Mentales son una manera de representar las ideas relacionadas con símbolos mas bien que con palabras complicadas como ocurre en la química orgánica. la mente forma asociaciones casi instantaneamente, y representarlas mediante un "mapa" le permite escribir sus ideas más rápidamente que utilizando palabras o frases.

ESQUEMAS DE TRABAJO

MODULOS ESTRUCTURALES - RETICULA BASICA

LA RETICULA BASICA
Es la que se usa con más frecuencia en las estructuras de repetición. Se compone de líneas verticales y horizontal, parejamente espaciadas, que se cruzan entre si.
Aporta a cada modulo una misma cantidad de espacio, arriba, abajo, izquierda o derecha. Excepto por la dirección generada por los mismos módulos.

Variaciones de Retícula Básica
Cambio de Proporción: las subdivisiones cuadradas de la retícula básica pueden ser sustituidas por rectangulares.

Cambio de Dirección: Todas las líneas verticales u horizontales, pueden ser inclinadas a cualquier ángulo. Esto puede provocar la sensación de movimiento.

Deslizamiento: Cada fila de subdivisiones estructurales puede ser deslizada en una u otra dirección, regular o irregularmente.

Curvatura o quebrantamiento: Todo el conjunto de líneas, verticales u horizontales o ambas, en forma regular, lo que deriva a subdivisiones estructurales.

Reflexión: Una fila de subdivisiones estructurales, puede ser reflejada y repetida en forma alternada o regular.

Combinación: Las subdivisiones estructurales en una estructura de repetición pueden ser combinadas para integrar formas mayores o mas complejas.

Divisiones Ulteriores: Las subdivisiones pueden ser nuevamente divididas en formas más pequeñas y más complejas.

Retícula Triangular: La inclinación de la dirección de líneas estructurales y su nueva división en las subdivisiones que así se forman, permiten obtener un enrejado triangular.

Retícula Hexagonal: Combinando seis unidades espaciales adyacentes de un enrejado triangular se obtiene un enrejado hexagonal. Puede ser alargado, comprimido o distorsionado.

ESTRUCTURA DE MULTIPLE REPETICION
Es cuando la estructura se compone de mas de un clase de subdivisiones estructurales, que se repiten en forma y tamaño. Esta es todavía una estructura Formal. Las diversas clases se entretejen en un dibujo regular.

Módulos y Subdivisiones Estructurales
En una estructura Inactiva, e invisible, los módulos son colocados en el centro de las subdivisiones o en las intersecciones de estas. Pueden ajustar con las subdivisiones el tamaño de esta. Si son grandes deberán de interactuar las figuras. En una estructura activa cada modulo queda confinado a su propia subdivisión espacial, pero no necesariamente en el centro. Pueden ocurrir variaciones de posición y dirección.
Repetición de Posición
Esta supone que todos los módulos estén colocados exactamente de la misma manera dentro de cada subdivisión. En una estructura inactiva hay siempre una repetición de posición.
En una estructura activa la repetición de posición no es siempre necesaria. Las líneas estructurales visibles aportan la suficiente disciplina de repetición.

Superposición de Estructuras de Repetición
Una estructura de repetición junto a sus módulos, puede ser superpuesta a otra estructura de repetición. Las dos estructuras pueden ser iguales o diferentes y su interacción puede producir resultados inesperados.

Similitud
Es cuando las formas no son idénticas, sino parecidas. Estos se encuentran fácilmente en la naturaleza, (hojas de un árbol). Esta no tiene la estricta regularidad de la repetición, pero mantiene en grado considerable la sensación de regularidad.

Similitud de Módulos
Es las figuras usadas se parecen. En la repetición sus tamaños deben ser también parecidos.
Cuando la diferencia sea reducida los módulos pueden parecer repetitivos, si esta aumenta pueden parecer figuras individuales, solamente vagamente relacionadas.

Similitud de Figuras
No significa que las formas parezcan mas o menos las mismas ante nuestros ojos. A veces es reconocida cuando todas las formas pertenecen a una clasificación común. Puede ser creada por:

Asociación: Pueden ser agrupadas de acuerdo a su tipo, familia, significado o su función. Ej: El Alfabeto
Imperfección: Es cuando una figura es deformada, transformada, mutilada, cortada o quebrada
Distorsión Espacial: Es cuando la forma es rotada, curvadas o retorcidas y crean una figura nueva.
Unión o Sustracción: Una forma puede esta compuesta por 2 formas más pequeñas que son unidas u obtenidas sustrayendo una forma menor de una mayor.
Tensión o Comprensión: Es cuando la forma es estirada o apretada, lo que deriva a una serie de módulos de similitud.

Similitud y Gradación
En la Similitud los módulos son vistos en una ligera agitación, pero se adhieren entre si para formar una unidad. En la Gradación, los módulos son organizados para sugerir de manera muy controlada, la progresión y el movimiento.

La Estructura de Similitud
Esta es semiformal y no tiene la rigidez de la repetición. Sus 2 tipos básicos son:
-Subdivisiones Estructurales Similares: Las subdivisiones no son repetitivas sino similares. Puede ser activa o inactiva, visible o invisible.
-Distribución Visual: Los módulos quedan distribuidos dentro del marco del diseño, visualmente sin la guía de las líneas estructurales. Esta se vincula con la concentración del artista.

Gradación
Es más estricta que la similitud, exige no solo un cambio gradual, sino que sea de una forma ordenada. Genera una ilusión óptica y crea una sensación de progresión, lo que conduce a una culminación.

Gradación de módulos
Estos pueden tener una gradación de figura, de tamaño, de color, de textura, de dirección, de posición de espacio y de gravedad.
Gradación de Plano
Esta no afecta a la figura ni al tamaño de los módulos. Esta relación permanece constante. Se distinguen 2 clases:
Rotación en el plano: Esto indica un cambio gradual de dirección de los modulos. Puede ser rotada sin trasladarse en el plano de la imagen.
Progresión en el plano: Esto indica un cambio gradual de posición de los modulos dentro de las subdivisiones estructurales del diseño. Pueden ascender, descender, trasladarse de un ángulo a otro de las subdivisiones en una secuencia de movimientos regulares y graduales.

Gradación Espacial
Afecta a la figura o al tamaño de los módulos. Su relación con la imagen nunca es constante. Se distinguen 2 clases:
-Rotación Espacial: El modulo puede ser rotado para que veamos cada vez un poco mas del borde y un poco menos del frente, Una figura chata puede verse cada vez mas estrecha hasta convertirse casi en una línea fina.
-Progresión Espacial. Es igual al cambio de tamaño. Esto sugiere la progresión de estos en el espacio y permanecen siempre paralelos al plano de la imagen.
Gradación en la Figura
Se refiere a la secuencia de gradaciones que resulta de un cambio real de la figura.
-Unión o Sustracción: Indica el cambio gradual de posiciones de los submodulos que forman a los módulos por unión o sustracción.
-Tensión o comprensión: Indica el cambio gradual de la figura de los módulos, por fuerzas internas o externa, esta aparece como si fuera elástica.

El Camino de la Gradación
Toda forma puede ser gradualmente cambiada hasta convertirse en cualquier otra. El camino a este puede ser por el plano, en el espacio, en la figura o en una combinación de esta. Puede ser directo o dar rodeo.

La Velocidad de Gradación
Es la cantidad de pasos requeridos para que una figura cambie de una a otra. Cuando los pasos son pocos la velocidad es rápida, cuando son muchos pasos es lenta. Una velocidad rápida provoca saltos visuales, una lenta genera ilusión óptica.

Modelos de Gradación
-Serie de Gradación: Es la que queda marcada por una situación inicial y una situación final. Cuando el camino es indirecto deben tomarse consideración las situaciones intermedias.
-Dirección del Movimiento: Son las orientaciones en las situaciones inicial, final e intermedia. Estos pueden ser puestos en fila y procederse a lo largo, a lo ancho o ambos sentidos. Algunos modelos típicos son:
-Movimiento Paralelo: Es el mas simple, estos son transformados gradualmente en pasos paralelos. La culminación es habitualmente una línea recta.
-Movimiento Concéntrico: Son trasformados en capas concéntricas. La culminación puede ser un punto, un cuadrado o una cruz.
-Movimiento en Zigzag: Supone que los modulos de un mismo paso se disponen en forma de zig-zag y se transforman a la misma velocidad.
*La Gradación puede avanzar desde la situación inicial a la final y luego volver a la inicial.*


La Estructura de Gradación
Esta es similar a una estructura de repetición, excepto en que las subdivisiones estructurales no siguen siendo repetitivas sino que cambian en tamaño, figura, o ambos, en secuencia gradual y sistemática.

Cambio de tamaño y/o proporción: Las subdivisiones estructurales de un enrejado básico pueden aumentar o disminuir de tamaño y gradualmente de una a la siguiente.
Cambio de dirección: Todo el conjunto de líneas estructurales horizontales o verticales o ambas, del ejemplo. Pueden ser inclinadas a cualquier dirección deseada.
Deslizamiento: La hilera completa de subdivisiones estructurales puede deslizarse regularmente, para que las subdivisiones no sean vecinas.
Curvatura, Quebrantamiento: Todo el conjunto puede ser curvado o quebrado gradual o regularmente.
Reflexión: Una hilera de subdivisiones estructurales que no estén en Angulo recto, puede ser reflejada y repetida en forma alternada o regular.
Combinación: Las subdivisiones estructurales pueden ser combinadas, para formar figuras mayores o más complejas.
División Ulterior: Las subdivisiones estructurales en todas las estructuras de gradación pueden ser divididas en figuras más pequeñas o complejas. Enrejado Triangular: Este puede ser transformado en una estructura de gradación variando gradualmente el tamaño y la figura de los triángulos.
Enrejado Hexagonal: Este puede ser transformado en una estructura de gradación variando gradualmente el tamaño y la figura de los hexágonos.

Gradación Alternada
Aporta una complejidad poco habitual en un diseño de gradación. Significa que los módulos o subdivisiones estructurales gradualmente cambiantes, que proceden de direcciones compuestas, son entretejidos entre si.

Radiación
Es un caso especial de repetición. Los módulos repetidos o las subdivisiones estructurales que giran regularmente alrededor de un centro común. Esta puede tener el efecto de vibración óptica que encontramos en la gradación.

Características de un esquema de Radiación
Es generalmente multisimetrico Posee un Vigoroso punto focal, habitualmente situado en el centro del dibujo Puede generar energía óptica y movimiento, desde o hacia el centroEstructura de Radiación
Centro de Radiación: marca el punto focal en cuyo derredor se sitúan los módulos. Debe anotarse que el centro no siempre es el centro físico.
Direcciones de Radiación: son las direcciones de las líneas estructurales tanto como a las direcciones de los módulosSe distinguen 3 clases principales de estructura de radiación: Centrifuga, Concéntrica y Centrípeta.

Estructura Centrifuga
Es la más común, en ella las líneas se irradian regularmente desde el centro o desde sus cercanías hacia todas las direcciones.
Estructura Centrifuga Básica: Se compone de líneas Rectas que se irradian desde el centro del esquema. Curvatura o quebrantamiento de líneas: las líneas pueden ser regularmente curvadas o quebradas como se desee.
Centro en posición Excéntrica: el centro de radiación es a menudo también en el centro físico del diseño, pero puede ser colocado en cualquier otra posición Apertura del Centro de Radiación: este puede ser abierto para formar un agujero redondo, ovalado, triangular, cuadrado o poligonal.
Centros Múltiples, abriendo el centro de radiación: después de abierto el centro de radiación y aparecen allí una figura, sus vértices se convierten en el centro de radiación.
Centros Múltiples, dividiendo y deslizando: El centro puede ser dividido en 2, haciendo que una mitad irradie desde la posición excéntrica y la otra mitad de otra posición
Centros Múltiples o Centros Múltiples Ocultos, Combinando sectores de estructuras de radiación excéntrica: 2 o mas secciones de estructuradas radiación excéntrica pueden ser organizadas y combinadas para formar una nueva estructura

La Estructura Concéntrica
En vez de irradiar del centro las líneas rodean el centro en capas regulares.
Estructura Concéntrica Básica: se compone de capas de círculos espaciados igualmente, que encierran al centro del diseño.
Enderezamiento, Curvatura o quebrantamiento de las líneas estructurales: Las líneas son puestas de estas formas y como se desee.
Traslado de los Centros: en vez de un centro común, los círculos pueden trasladar sus centros a lo largo de una línea.
La espiral: Una de espiral geométricamente es muy difícil de hacer y en manos apropiadas puede ser beneficiosa si se sabe como utilizarla
Centros Múltiples: Escogiendo una sección o un sector de una estructura, esta puede construir con varias.
Centros Distorsionados, Ocultos o ambas: se cuenta con un centro distorsionado o varios ocultos.
Rotación Gradual de capas concéntricas: Si las capas concéntricas no son círculos, sino cuadrados o cual otro polígono.
Capas Concéntricas con radiaciones centrifugas Capas Concéntricas Reorganizada: estas pueden ser reorganizadas para que algunas líneas puedan ser dobladas y unidas con otras.

Estructura Centrípeta
Las secuencias de líneas quebradas o curvas presionan hacia le centro, este no se encuentra donde habrán de converger todas las líneas estructurales sino hacia donde apuntan todos los ángulos y curvas.
Estructura Centrípeta Básica: se compone de sectores iguales dentro d de cada uno de los cuales se construyen líneas equidistantes paralelas a los 2 lados rectos del sector que apuntan hacia el centro.
Cambio Direccional de líneas Estructurales: las líneas paralelas en la estructura centrípeta básica puede cambiar de dirección.
Curvatura y Quebrantamiento de líneas: estas pueden ser curvadas o quebradas regularmente creando cambios complejos.
Apertura del Centro de Radiación: Deslizando los sectores de una estructura centrípeta el centro de radiación puede ser abierto.

EL MODULO COMO ESTRUCTURA VISUAL

MODULO: Elemento adoptado como unidad de medida para determinar las proporciones entre las diferentes partes de una composicion y que se repite sistemáticamente en el espacio. Los Módulos son formas idénticas o similares que aparecen más de una vez en un diseño. La presencia de módulos tiende a unificar el diseño. Los módulos pueden ser descubiertos fácilmente y deben de ser simples o si no se perdería el efecto de repetición.

Repetición de Módulos
Si utilizamos la misma forma más de una vez usamos la repetición.
Este es el método mas sencillo de diseño, esta suele aportar una inmediata sensación de armonía.
Tipos de Repetición...

A.Repetición de Figura: La figura es siempre el elemento más importante. Las figuras que se emplean pueden tener diferentes medidas, colores, etc.
B.Repetición de Tamaño: Esta solo es posible cuando las figuras son también repetidas o muy similares.
C.Repetición de Color: Esto supone que todas las formas tienen el mismo color, pero que sus figuras y tamaños pueden variar.
D.Repetición de Textura: Todas las formas pueden ser de diferentes conformaciones, medidas o colores.
E.Repetición de Dirección: esto solo es posible cuando las formas muestran un sentido definido de dirección, sin la menor ambigüedad.
F.Repetición de Posición. Esto se refiere a como se disponen las formas, de acuerdo a una estructura.
G.Repetición de espacio: Todas las formas pueden ocupar su espacio de una misma manera.
H.Repetición de gravedad: Es un elemento demasiado abstracto para ser usado repetidamente. Es dificultoso afirmas que las formas sean de igual pesantez o liviandad, de igual estabilidad o inestabilidad, a menos que todos los otros elementos estén en estricta repetición.

Variaciones de Repetición
La repetición de todos los elementos puede resultar muy monótona. La repetición de un solo elemento puede no provocar la sensación de orden y de armonía que asociamos normalmente con la disciplina de repetición, deben explorarse las posibilidades de variaciones direccionales o espaciales.

Variaciones Direccionales
Con la excepción del círculo todas las formas pueden variar de dirección en cierto grado. Aun los círculos pueden ser agrupados para dar una sensación de dirección. Pueden distinguirse varias clases de arreglos direccionales:
Direcciones repetidas
Direcciones indefinidas
Direcciones alternadas
Direcciones en gradación
Direcciones similares

Variaciones Espaciales
Estas pueden ser obtenidas reuniendo a las formas en una cantidad de interrelaciones, como se describió en una cantidad de interrelaciones, el uso imaginativo de la superposición, la penetración, la unión o las combinaciones y negativas puede conducir a resultados sorprendentes.


Submódulos y Supermodelos
Un modulo puede estar compuesto por elementos mas pequeños, que son utilizados en repetición. Tales elementos más pequeños son denominados Submodulos. Si estos al ser organizados se agrupan juntos para convertirse en una forma mayor, que luego es utilizada en repetición son denominados como Supermodulos. Hay una variedad de ambos módulos.

El Encuentro de las Figuras
Disposición Lineal: Las Figuras son alineadas como si fueran guiados por una línea conceptual que pasara por el centro de todas las figuras. Esta línea puede ser recta, curva o quebrada. La distancia entre los círculos puede ser regulada como se desee.
Disposición Cuadrada o Rectangular: Las figuras ocupan 4 puntos que entre si podrían formar un cuadrado o un rectángulo.
Disposición en Rombo: Las figuras ocupan 4 puntos que unidos entre si forman un rombo. Regulando la distancia entre las figuras pueden surgir varios tipos de Supermodelos.
Disposición Triangular: Las figuras son dispuestas para que 3 ocupen el extremo de un triangulo, con la cuarta en el centro.
Disposición Circular: Produce el mismo resultado que en la posición cuadrada, pero la disposición puede ser muy singular agregando mas círculos.

VOCABULARIO TECNICO

RADIACION: giro de formas unitarias alrededor de un centro comun para obtener un efecto radiante.
RECORRIDO CERRADO: recorrido que hace un cierre completo sin que se vean puntos extremos
RECORRIDO: linea de union recta o curva entre puntos.
RELLENO: color, dibijo, textura que ocupa el interior de una figura cuyo contorno esta delimitado por un recorrido cerrado.
REPETICION: uso constante de la misma forma. La repeticion puede estar restringida a la figura o a cualquier elemento especifico con variaciones en otros elementos (figura, tamano, color, textura...)
RETICULA: lineas verticales y horizontales espaciadas regularmente para colocar formas de una composicion.
SUBDIVISION ESTRUCTURAL: celula espacial bi-dimensional formada por lineas estructurales en una estructura.
SOLAPE: ubicacion de formas en que una tapa en parte la otra.
SEMEJANZA: relacion entre formas que se parecen entre si por su figura. pueden varian entre si en figura, tamano, color o textura.
SIMETRIA: figura o forma con su imagen refleja en disposición bilateral.
SUSTRACCION: Solape de forma negativa sobre otra forma eliminando la porcion de la otra forma y exponiendo el fondo positivo.
TAMAÑO: Dimensión de una forma.
TEMA: Contenido reconocible en una forma figurativa.
TRASLACION: cambio d e posición de una figura sin cambiar su direccion.
VOLUMEN: espacio tridimensional delimitado por planos.
FONDO: espacio vacio detras de las formas positivas en un diseño bi-dimensional.
GIRO: cambio de direccion de una forma.
GRADACION: cambio gradual en una serie de formas unitarias en una secuencia ordenada.
GRAVEDAD: pesadez o ligereza de una forma que produce los efectos de inestabilidad y movimiento o estabilidad y equilibrio.
GROSOR: atributo de una linea para establecer su anchura.
INTERSECCION: situacion de solape donde solo es visible el area solapada.
LINEAS ESTRUCTURALES: lineas invisibles que sirve para la construccion de una composicion mediante la ordenacion de las formas dentro de ellas.

ESTRUCTURAS VISUALES

Estructura visual: son características que el usuario utiliza para evaluar desde el primer momento los aspectos más relevantes de una composición. La estructura introduce varios beneficios:

*Unidad

*Integridad

*Entendimiento

*Control

*Técnicas usadas para mejorar la organización y la estructura visual

*Uso de la simetría para asegurar el balance *Identificar los ejes sobre los que será establecida la simetría

*La simetría sobre el eje vertical prevalece en la percepción humana y es generalmente más útil en despliegues visuales

*Balancear cuidadosamente la información en cada lado del eje

*Asegurar que el eje de simetría esta centrado en el contexto total del despliegue

*Verificar los resultados.

Estructura

Es la disciplina que subyace las disposiciones en el diseño. Esta debe gobernar la posición de las formas en un diseño. Por regla general impone un orden y predetermina las relaciones internas de las formas de un diseño. Esta siempre presente cuando hay una organización. Puede ser formal, semiformal o informal. Puede ser activa o inactiva, Visible o invisible.

Estructura Formal: Se compone de líneas estructurales que aparecen construidas de manera rígida, matemática. Las líneas habrán de guiar la formación completa del Diseño. El espacio queda dividido en subdivisiones, igual o rítmicamente y las formas quedan organizadas con una fuerte sensación de regularidad. Sus diversos tipos son; la Repetición, la Gradación y la Radiación.

Estructura Semiformal: Habitualmente es bastante regular, pero existe la ligera irregularidad. Puede componerse o no de líneas estructurales que determinan la disposición de los módulos.

Estructura Informal: Esta no tiene normalmente líneas estructurales. La organización es generalmente libre o indefinida.

Estructura Inactiva: Es la que se compone de líneas estructurales que son puramente conceptuales. Tales líneas son construidas en un diseño para guiar la ubicación de formas o de módulos, pero nunca interfieren con sus figuras ni dividen el espacio en zonas distintas, donde puede ser introducidas variaciones de color.

Estructura Activa: Se Compone de líneas estructurales que son asimismo conceptuales. Sin embargo pueden dividir el espacio en subdivisiones individuales, que interactúan de varias maneras con los módulos que contienen:

Subdivisiones estructurales: aportan una completa independencia espacial para los módulos. Cada uno existe aislado, como si tuviera su propia y referencia de marco. Pueden tener un sin fin de técnicas como fondo de color diferente a la figura, juegos alternados, etc. Dentro de la Subdivisión Estructural cada modulo puede ser trasladado para asumir posiciones excéntricas. Puede inclusive deslizarse mas allá de la forma definida.

Cuando el Modulo Penetra en el dominio de una subdivisión estructural adyacente, puede considerarse esta situación como el encuentro de 2 formas y puede procederse como se desee a la penetración, la unión, la sustracción o la intersección. El espacio aislado por un modulo en una subdivisión estructural puede ser reunido con cualquier modulo o subdivisión estructural vecina.

Estructura Invisible: En estas la líneas estructurales son conceptuales, incluso si cercenan un fragmento de un modulo. Tales líneas son activas pero no son líneas visibles.

Estructura Visible: Las líneas estructurales existen como líneas reales y visibles de un grosor deseado. Estas pueden ser positivas o negativas. Si son negativas, quedan unidas con el espacio negativo o con módulos negativos y pueden atravesar un espacio positivo o un modulo positivo. Las líneas visibles e invisibles pueden ser utilizadas conjuntamente o pueden usarse alternadamente o sistemáticamente para que las líneas visibles señalen divisiones.

Estructura de Repetición: Los módulos son colocados regularmente con un espacio igual alrededor de cada uno. Esta estructura es formal y puede ser activa o inactiva, visible o invisible. Esta queda dividida en subdivisiones de la misma forma y tamaño. La estructura de repetición es la más simple de todas.

EXPLORACION GRAFICA Y SENSORIAL

La percepción es la función psíquica que permite al organismo, a través de los sentidos, recibir, elaborar e interpretar la información proveniente de su entorno.

Para llevar a cabo el proceso de exploracion tenemos los sentidos (olfato, vista, oido, tacto y gusto) con los cuales la información recopilada se procesa, y se forma la idea de un sólo objeto. Es posible sentir distintas cualidades de un mismo objeto, y mediante la percepción, unirlas, determinar de qué objeto provienen, y determinar a su vez que es un único objeto, lo que nos permite evaluar el entorno y tomar desiciones.

Hay dos factores que intervienen en la percepcion: Psicológico y Fisiológico

1.Psicológico: este tiene que ver con los aspectos internos e individuales de cada receptor los cuales estan ligados a aspectos culturales, sociales y religiosos los cuales han sido implementados a través del desarrollo del individuo.
Los psicólogos de la forma han estudiado aquellas variantes perceptivas que están en función de los aspectos estructurales de los estímulos. Según esto han establecido distintas maneras de organizar los estímulos y de reunirlos en grupos. Algunos de estos modos son:

FACTORES INTERNOS:

Las motivaciones: Nuestras tendencias, intereses y gustos son un factor importante en la selección de estímulos perceptivos. Estamos en cierta manera predispuestos a percibir aquellas cosas que motivan nuestra atención.

Las experiencias pasadas: toda nuestra vida pasada a estado llena de experiencias y vivencias personales. No es de extrañar su gran influencia en el proceso de nuestras percepciones.

Las necesidades: También las necesidades personales influyen de manera notable y perceptiva en percepciones si padecemos hambre o sed percibimos inmediatamente todos aquellos estímulos.

El ambiente cultural: No cabe duda una de las cosas que más modifican nuestras percepciones es nuestro propio ambiente y el grupo social al que pertenecemos.

2.Fisiológico: en este podemos darnos cuenta de los procesos relacionados entre los efectos luminicos y su interaccion con los tejidos del ojo y sus receptores nerviosos.

La pupila actuaría de diafragma, la retina de película, la córnea de lente y el cristalino sería equivalente a acercar o alejar la cámara del objeto para conseguir un buen enfoque. La analogía no acaba aquí, pues al igual que en la cámara de fotos la imagen que se forma sobre la retina está invertida. Pero esto no supone ningún problema ya que el cerebro se encarga de darle la vuelta para que la veamos correctamente.

El ojo tiene distintas habilidades para permitirnos una mejor exploracion del entorno, tales como:

La acomodación: Se llama acomodación a la capacidad del ojo para enfocar automáticamente objetos situados a diferentes distancias. Esta función se lleva a cabo en el cristalino que varía su forma al efecto. Pero esta capacidad se va perdiendo con los años debido a la pérdida de elasticidad que sufre; es lo que se conoce como presbicia o vista cansada y hace que aumente la distancia focal y la cantidad de luz mínima necesaria para que se forme una imagen nítida.

La adaptación: Es la facultad del ojo para ajustarse automáticamente a cambios en los niveles de iluminación. Se debe a la capacidad del iris para regular la abertura de la pupila y a cambios fotoquímicos en la retina. Para pasar de ambientes oscuros a luminosos el proceso es muy rápido pero en caso contrario es mucho más lento. Al cabo de un minuto se tiene una adaptación aceptable. A medida que pasa el tiempo, vemos mejor en la oscuridad y a la media hora ya vemos bastante bien. La adaptación completa se produce pasada una hora.

El campo visual: El ojo humano dispone de un campo visual; cada ojo ve aproximadamente 150º sobre el plano horizontal y con la superposición de ambos se abarcan los 180º. Sobre el plano vertical sólo son unos 130º, 60º por encima de la horizontal y 70º por debajo.El campo visual de cada ojo es de tipo monocular, sin sensación de profundidad, siendo la visión en la zona de superposición de ambos campos del tipo binocular. La sensación de profundidad o visión tridimensional se produce en el cerebro cuando este superpone e interpreta ambas imágenes.

La agrupación: Es frecuente que al recibir varios estímulos tendamos a agruparlos con arreglo a una estructura determinada. Por ejemplo: un rostro, un edificio, un paisaje, etc. las formas de agrupación más frecuentes son: Por proximidad: Las diferentes distancias de unos estímulos con respecto a otros influyen en que se perciban como unidades aisladas o constituyendo.
Por simetría: Existe una tendencia en nosotros a agrupar los estímulos construyendo con ellos figuras simétricas.Por semejanza: Por elementos iguales o similares, se estructuran generalmente formando una única estructura.
Por continuidad: Los elementos que se agrupan por rectas o curvas de manera continua tiende a ser percibida formando una unidad.

FACTORES EXTERNOS DE SELECCIÓN: Los principales son: La intensidad y tamaño del estímulo: Cuanto mayor es la intensidad y el tamaño más pronto la percibimos.
El contraste: Cada vez que se producen un contraste entre nuestra situación presente y la habitual o una situación nueva, captamos la diferencia: Ejemplo: calor y frío.
La repetición: la repetición es constante en las cosas. Van grabándose en la memoria. Todos los seres vivos son muy sensibles a la captación del movimiento y el hombre no es una excepción en este caso. Los animales se ponen en guardia en la percepción de cualquier movimiento.

ILUSIONES OPTICAS

ELEMENTOS DE RELACION

Estos elementos nos determinan la ubicación y la interrelación en un diseño. Unos son percibidos como la dirección y la posición y otros pueden ser sentidos como la gravedad y el espacio.

DIRECCION: depende de como esta relacionada la forma con el observador, con el marco que la contiene o con otras formas mas cercanas.

POSICION: es juzgada por su relacion con respecto al marco que la contiene o con otras formas.

ESPACIO: toda forma ocupa un espacio, este espacio puede ser ocupado o vacio, puede ser liso o ilusorio para sugerir profundidad.

GRAVEDAD: la sensación de gravedad no es visual sino psicologica, tenemos tendencia a dar atributos de liviandad, pesadez, estabilidad o inestabilidad.

POSITIVO- NEGATIVO: las formas positivas las persivimos como ocupando un espacio, mientras que las negativas se persiven como un espacio en blanco rodeado de un espacio ocupado.

ELEMENTOS DE DISEÑO

CARTELISMO

SURGIMIENTO DEL CARTEL:
Aunque la litografía fue inventada en 1798 por Aloys Senefelder, esta técnica era al principio demasiado lenta y costoso para la producción del carteles. La mayoría de los carteles eran producidos en bloques de madera (xilografía) o grabados del metal con poco color o diseño. El desarrollo del proceso litográfico de tres colores de Cheret abrió una brecha que permitió que los artistas alcanzaran cada color del arco iris con tan sólo tres piedras -generalmente rojas, amarillas y azul - impresas en un registro cuidadoso. Aunque el proceso era difícil, el resultado era una intensidad notable del color y textura, con sublimación de las transparencias y los matices imposibles en otros medios (incluso hoy día). Esta capacidad de combinar palabra e imagen en un formato tan atractivo y económico, finalmente hizo al cartel litográfico, una innovación de gran alcance. Comenzando en 1870 en París, se convirtió en el medio dominantes de la comunicación de masa en las ciudades de Europa y América. Las calles de París, Milán y Berlín fueron transformadas rápidamente en la "galería de arte de la calle," entrando de lleno en la edad moderna de la publicidad.

Entre las guerras mundiales:
Modernismo y Art-Deco: Después de la Primera Guerra Mundial, lainspiración orgánica del Art Nouveau parecía inaplicable en una sociedad cada vez más industrial. Las nuevas realidades fueron expresadas mejor en los movimientos modernos del arte del cubismo, Futurismo, Dada y del expresionismo, que tendrían una influencia profunda en el diseño gráfico. En la Unión Soviética, el movimiento Constructivista tomó el liderazgo en los años 20 con la meta de crear una nueva sociedad tecnológica. El edificio en el movimiento de Suprematista de Kasimir Malevich (la consecuencia rusa de Cubismo y Futurismo), el Constructivismo desarrolló un estilo de"agitación" de la composición, marcado por las diagonales, fotomontajes y colores primarios. Conducido por El Lissitsky, Alexander Rodchenko, Gustav Klutsis, y Stenberg, el trabajo de los Constructivistas tendría un impacto importante en diseño occidental, sobre todo a través del "Bauhaus" y del movimiento de "de Stijl". Este lenguje científico del diseño fue popularizado en un nuevo movimiento decorativo internacional llamado "ArtDeco". En este estilo la máquina, la energía y la velocidad se convirtieron en los temas primarios. Las formas fueron simplificadas y aerodinamizadas, y los tipos de letra curvados fueron substituidos por los lisos, angulares. El arte Deco demostró una variedad amplia de influencias gráficas, de los movimientos modernos del arte del Cubismo, de Futurismo y de Dada; a los avances del diseño de la Secesión de Viena, de Plakatstil, y del Constructivismo ruso; al arte exótico de Persia, de Egipto, y de África.
El término "ArtDeco" se deriva de la exposición de "Artes Decorativas" de 1925 en París, que demostró ser un escaparate espectacular para el estilo. En París, el estilo caricaturesco de Cappiello llevó a las imágenes geométricas, intelectuales de A.M. Cassandre, que popularizaron las técnicas del aerógrafo para la aplicación del color. Sus carteles de cruceros de Normandie, de Statendam y de Atlantique se convirtieron en iconos de la edad industrial. El ArtDeco, como el Art Nouveau antes de él, se extiende rápidamente a través de Europa. Los artistas Federico Seneca y Giuseppe Riccobaldi en Italia, Ludwig Hohlwein en Alemania, Pieter Hofman en Holanda, Otto Morach y Herbert Matter en Suiza, E. McKnight Kauffer en Inglaterra, y Francisco Gali en España. Segunda Guerra Mundial y el final de la litografía de piedraEl cartel jugó otra vez un papel importante en la comunicación de la Segunda Guerra Mundial, pero este vez que compartió el trabajo con otros medios, principalmente la radio y la impresión. Por este tiempo, la mayoría de los carteles fueron impresos usando la técnica de offset, que permitía grandes y rápidas tiradas. El uso de la fotografía en carteles, que comenzó en la Unión Soviética en los años 20, llegó a ser tan común ahora como la ilustración. Después de la guerra, el uso de cartel declinó en la mayoría de los países mientras que la televisión y el cine se convirtieron en los protagonistas de la difusión de mensajes. El último resplandor de la edad clásica del cartel litográfico ocurrió en Suiza, en donde el gobierno promovió la industria de impresión y la excelencia del cartel. El establecimiento de un tamaño estándar del cartel y de un sistema nacional del quiosco en 1914 era una ayuda adicional. Aprovechando el sentido suizo de la precisión, del estilo que se desarrolló durante la Segunda Guerra Mundial y los primeros años 50 en Basilea eran el "Sachplakat", o del "Object Poster Style". Convirtiendo la fabricación de objetos diarios en iconos gigantes, sus raíces van de nuevo al Plakatstil de Lucian Bernhard y el movimiento surrealista. La elegancia visual fue emparejada a menudo por humor apacible. Con el final de la impresión litográfica en el los 50s, Leupin, Brun y los otros artistas de Basilea Sachplakat dieron vuelta a un estilo chistoso menos confiado sobre el color y las texturas ricos de la impresión litográfica.

El ascenso de la Era de la Información en la postguerra: La dominación de Suiza del campo del cartel continuó creciendo en los últimos años '50 con el desarrollo de un nuevo estilo gráfico que tenía raíces en el Bauhaus. Debido a su confianza fuerte en elementos tipográficos en negro y blanco, el nuevo estilo vino ser conocido como el estilo tipográfico internacional (International Typographic Style). Refinado en las escuelas del diseño en Zurich y Basilea, el estilo utilizó una rejilla matemática, reglas gráficas determinantes y una fotografía negra y blanca para proporcionar una estructura clara y lógica. Se convirtió en el estilo gráfico predominante del diseño en el mundo en los 70s, y continúa ejerciendo su influencia hoy. El nuevo estilo encajó perfectamente en el mercado de la posguerra cada vez más global. El problema suizo de la lengua (tres idiomas importantes en un país pequeño) se convirtió en un problema mundial, y allí era una necesidad fuerte de la claridad en palabra y símbolo. Las corporaciones necesitaron la identificación internacional, y acontecimientos globales tales como las Olimpiadas requerían soluciones universales que el estilo tipográfico podría proporcionar. En el mismo tiempo, un acercamiento relajado y más intuitivo tomó el asimiento en varios países, lo más notablemente posible los ESTADOS UNIDOS y la Polonia. Philip Meggs utiliza la imagen conceptual del término del paraguas para describir un nuevo estilo de la ilustración, uno que pidió prestado libremente de Surrealism, de arte pop y de expressionism. Un ejemplo famoso era el relleno de registro 1967 del álbum de Bob Dylan de Milton Glaser. Glaser cristalizó el mensaje contracultural del músico retratando su pelo largo como un arco iris rico colores que se agitan en suaves trazos curvos. (el cartel de Glaser anticiparía una moda psicodélica breve pero espectacular del cartel en los Estados Unidos, que recordaron los excesos florales del Art Nouveau, las imágenes diferidas que pulsaban el Op-Art, y las yuxtaposiciones extrañas de Surrealismo). Otros amos de la imagen conceptual incluyen a Armando Testa en Italia, Gunter Rambow de Alemania, y Nicolas Troxler de Suiza.

Post-Modernismo y la era del ordenador: El estilo tipográfico internacional comenzó a perder su energía en el `70s y el ` temprano 80s. muchos lo criticaron por ser frío, formal y dogmático. Un profesor joven en Basilea, Wolfgang Weingart condujo la rebelión que llevó al estilo gráfico predominante de hoy conocido libremente como diseño Post-Moderno. Weingart experimentó con la impresión offset para producir los carteles que aparecían complejos y caóticos, juguetones y espontáneos -- todos en contraste rígido a las enseñanzas de sus maestros. La liberación de Weingart de la tipografía era una fundación importante para varios nuevos estilos, de Memphis y de Retro, a los avances ahora que eran hechos en gráficos de computadora. El papel y el aspecto del cartel ha cambiado continuamente durante último siglo para resolver las necesidades que cambiaban de la sociedad. Aunque su papel es menos central que era hace 100 años, el cartel sigue su evolución en los nuevos soportes como, la computadora e Internet, que están revolucionando la manera de comunicarnos en el siglo XXI.

HISTORIA DEL DISEÑO EN COLOMBIA

1961 Eugenio Barney Cabrera crea, en la Escuela de Bellas Artes, la carrera de Dibujo Comercial-Carteles. Se organiza un curso de diseño gráfico de 4 semestres.

1962 Se funda “Dicken Castro y Cia”. Primera oficina de diseño gráfico independiente de las agencias de publicidad. Además de carteles ha desarrollado innumerables símbolos de empresas, instituciones y eventos, entre otros: Ministerio de Desarrollo (1968), Ospinas y Compañía (1974), ISS (1980), PAN Programa de Ayuda a la Niñez (1980), (1995), Moneda de $1000 (1996).

1963 Llega a Colombia graduado de la Universidad de Yale, David Consuegra primer diseñador gráfico formado académicamente. Junto con Dicken Castro son los precursores e impulsores fundamentales del diseño gráfico colombiano contemporáneo. Diseña importantes carteles, libros para niños y símbolos: Museo de Arte Moderno (1963), Escuela de Artes UN (1980), Croydon (1980), Icollantas (1988) son algunos de los más representativos.

1964 Símbolo de Inravisión. Diseño: David Consuegra.

1964 David Consuegra publica Las 26 Letras. Produce gran cantidad de libros propios en los siguientes años: “Guía de diseño gráfico”, “De Marcas y Símbolos” (1967), 7 números de “Teoría y Práctica de Diseño Gráfico” (1982), ABC de las marcas mundiales” (1988), entre otros.

1967 David Consuegra y Ana de Jacobini fundan el primer programa de diseño gráfico en Colombia en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Allí se formaron académicamente los primeros diseñadores gráficos colombianos.

1967 Símbolo de Colsubsidio. Diseño: Dicken Castro.

1967 Benjamín Villegas con apenas 18 años se encarga del diseño de la revista Lámpara. Labor que desempeñaría hasta 1972. A partir de este año empieza a diseñar gran cantidad de símbolos destacándose: Bolsa de Bogotá, Banco Santander, Concasa y Banco Anglo Americano. Desarrollaría los primeros informes financieros con concepto claro de diseño.

1968 Símbolo de XXXIX Congreso Eucarístico Internacional. Un antiguo símbolo cristiano, es el origen de este logotipo diseñado por Dicken Castro. Por su significado, difusión y apropiación colectiva es uno de los más relevantes.

1968 Símbolo de Artesanías de Colombia. Diseño: David Consuegra.

1969 Se da inicio al programa de diseño gráfico en la Universidad Nacional.

1969 Cartón de Colombia organiza la I Exposición Panamericana de Artes Gráficas.

HISTORIA DEL DISEÑO EN EL MUNDO

El surgimiento del diseño se remonta a el desarrollo artistico de la humanidad y con el, la necesidad de transmitir conocimientos o informacion de generación en generación.

ÉPOCA PALEOLÍTICA:
Las primeras manifestaciones pictóricas son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente.


ARTE EGIPCIO:
La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la representación de la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo e informativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.

ARTE GRIEGO
Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del
Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético,
proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la
expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran
perfección en el dibujo. El atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad
dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores
logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura.

ARTE ROMANO
Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes,
marinas, naturaleza muerta y el retrato. Los romanos mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un sello utilitario y desarrolló una gigantesca labor constructiva con un variado repertorio de formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines.

ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico.
Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas.
Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de
pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura
era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores
planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable
influencia oriental a través del arte de Bizancio.

ÉPOCA MEDIEVAL:
Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas
figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios. Por último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el desarrollo comercial y la industrialización. La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos.

RENACIMIENTO:
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se
liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un ejemplo de ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso.

SIGLO XIII. ÉPOCA ARCAICA
Surgen los primeros intentos del nuevo estilo escenificado en las obras de los
"pisanos", Incola, Giovanni y Andrea Pisano.*Entre las características de estas primeras obras tenemos:*Expresión de sentimientos humanos.*Inspiración en la antigüedad clásica.*Realización de "Madonas".*Ropaje y accesorios profusamente trabajados.

SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA CLÁSICA
Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte. La actividad
artística se encuentra centrada en la ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus principales representantes son Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe destacar la importancia en este siglo de las obras escultóricas de los Della Robia, Andrea y Lucca. Estos escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido policromado y vidriado. Las

características de esta época son, entre otras:
*Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros, etc.)
*Diversificación temática.
*Efectismo pictórico.
*Gran destreza en la ejecución de obras hasta llegar al perfeccionismo.

SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA
Entre las principales características de estas obras tenemos:
*Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
*Dominio anatómico.*Figuras llenas de abundante vitalidad.
*Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
*Fuerte influencia clásica.
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada país. En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.

EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció rincipalmente en Francia, en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la decoración rococó consiguió los mayores logros.

NEOCLASICISMO
Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura David fue el máximo exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como Gross, Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del Romanticismo, movimiento estético que habría de suceder al neoclasicismo.

ROMANTICISMO
Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la
frialdad del neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el
romanticismo era imaginación, pasión e infinito.
Caracterìsticas Especiales:
*SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas.
*LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede
manifestarse según su gusto y según las exigencias de la propia obra.
*SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista
expresa y no cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar
determinada por la naturaleza del contenido.

REALISMO
El realismo surge como oposición al idealismo de clásicos y románticos,
proponiendo una realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe
aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un
motivo de fecunda inspiración. El término realismo fue adoptado por un
movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y que
tuvo como principal representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte representó
las inquietudes sociales que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX.

CARACTERÍSTICAS GENERALES
*Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida humilde y trabajadora,
expuestos con sentido de crítica social.
*Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos.
*Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio e interés por los
contrastes del claroscuro.

IMPRESIONISMO
La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en
1874 y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos
que no veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar la cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a través de las cuales se ven los objetos, pues su condición determina la apariencia de estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura fue resultado del nuevo análisis científico de los colores. El fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre la base de que a nivel cerebral las manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da por resultado un color verde si se miran desde cierta distancia. Este principio lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus lienzos. La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro del espectador el que los una para formar así las figuras.

EXPRESIONISMO
Fue un movimiento artístico plástico emparentado con la literatura; nace en 1890
en Alemania y en los países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el siglo XX. Destacan en este movimiento los artistas plásticos Edward Munch,
Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges Rouault. La pintura
expresionista busca y logra expresar violentas emociones, va de dentro hacia
fuera, al contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su objetivo
fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador, por medio de
sentimientos y emociones del artista, expresados con audacia de formas y rígido
colorido.

FAUVISMO
En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos artistas
eran fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero
como estilo ejerció una influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del siglo XX. El fauvismo derivó de los fuertes colores y las vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y
los atrevidos esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio que ambos
demostraron por las cualidades académicas formales de la composición. Henri
Matisse, primera figura del grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en
rojo, deja presente la intensidad fauvista del colorido, aunque usado con
resultados bastantes diferentes, ya que naturalmente se considera al rojo como
color brillante que produce gran excitación y en este cuadro el efecto de la
composición da una sensación de profundo reposo.

CUBISMO
Este movimiento artístico surge en Francia hacia 1907, y se extiende por todo el
mundo. Se inspira en los postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges
Seurat; su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero
fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se
representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la
perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos. El color fue, virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea del objeto. Como creadores del movimiento cubista podemos nombrar a importantes personajes como Pablo Picasso y Georges Braque. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tendencia.

FUTURISMO
Fue un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto Boccioni y Carlo Carrá; su propósito era despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida
desde fines del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto de lo
antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos. El futurismo, exigía un nuevo
concepto artístico basado en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas
era fundamental y peculiar de la vida moderna. El símbolo más venerado por los
futuristas era el automóvil de carreras; en esencia la pintura futurista era retrato
del movimiento relacionado con el cubismo analítico por su fragmentación, pero
así como el cubista ve un objeto estático desde varios ángulos moviéndose
alrededor de él, en el futurismo el espectador está quieto mientras el objeto se
mueve. Por tanto, en el dibujo, la representación futurista del movimiento
simultáneo de un perro que trota por la calle, puede tener veinte patas y seis
colas, con efecto parecido al de una larga exposición fotográfica de algún objeto
que se mueve.

SURREALISMO
Este movimiento vanguardista no se circunscribió a un solo lugar geográfico y su
manifestaciones son tan variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul
Klee, Man Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy, fueron sólo algunos de los
artistas que tomaron parte activa en el grupo de los pintores surrealistas. El
Surrealismo, libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del
concepto de espacio heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al artista
para expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el
psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo
supo dar cause a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad
surgida de la primera posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924 a
1928. Como ideal estético se propone lo maravilloso, reuniendo dos objetos
incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no
era "hacer arte", sino explorar posibilidades.

ABSTRACCIÓN
Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por
encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad,
llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla. El arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y colores; sin embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del período prehispánico, etc., se puede ubicar en ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas.