HISTORIA DEL DISEÑO EN EL MUNDO

El surgimiento del diseño se remonta a el desarrollo artistico de la humanidad y con el, la necesidad de transmitir conocimientos o informacion de generación en generación.

ÉPOCA PALEOLÍTICA:
Las primeras manifestaciones pictóricas son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente.


ARTE EGIPCIO:
La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la representación de la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo e informativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.

ARTE GRIEGO
Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del
Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético,
proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la
expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran
perfección en el dibujo. El atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad
dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores
logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura.

ARTE ROMANO
Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes,
marinas, naturaleza muerta y el retrato. Los romanos mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un sello utilitario y desarrolló una gigantesca labor constructiva con un variado repertorio de formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines.

ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico.
Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas.
Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de
pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura
era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores
planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable
influencia oriental a través del arte de Bizancio.

ÉPOCA MEDIEVAL:
Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas
figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios. Por último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el desarrollo comercial y la industrialización. La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos.

RENACIMIENTO:
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se
liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un ejemplo de ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso.

SIGLO XIII. ÉPOCA ARCAICA
Surgen los primeros intentos del nuevo estilo escenificado en las obras de los
"pisanos", Incola, Giovanni y Andrea Pisano.*Entre las características de estas primeras obras tenemos:*Expresión de sentimientos humanos.*Inspiración en la antigüedad clásica.*Realización de "Madonas".*Ropaje y accesorios profusamente trabajados.

SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA CLÁSICA
Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte. La actividad
artística se encuentra centrada en la ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus principales representantes son Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe destacar la importancia en este siglo de las obras escultóricas de los Della Robia, Andrea y Lucca. Estos escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido policromado y vidriado. Las

características de esta época son, entre otras:
*Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros, etc.)
*Diversificación temática.
*Efectismo pictórico.
*Gran destreza en la ejecución de obras hasta llegar al perfeccionismo.

SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA
Entre las principales características de estas obras tenemos:
*Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
*Dominio anatómico.*Figuras llenas de abundante vitalidad.
*Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
*Fuerte influencia clásica.
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada país. En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.

EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció rincipalmente en Francia, en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la decoración rococó consiguió los mayores logros.

NEOCLASICISMO
Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura David fue el máximo exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como Gross, Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del Romanticismo, movimiento estético que habría de suceder al neoclasicismo.

ROMANTICISMO
Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la
frialdad del neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el
romanticismo era imaginación, pasión e infinito.
Caracterìsticas Especiales:
*SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas.
*LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede
manifestarse según su gusto y según las exigencias de la propia obra.
*SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista
expresa y no cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar
determinada por la naturaleza del contenido.

REALISMO
El realismo surge como oposición al idealismo de clásicos y románticos,
proponiendo una realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe
aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un
motivo de fecunda inspiración. El término realismo fue adoptado por un
movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y que
tuvo como principal representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte representó
las inquietudes sociales que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX.

CARACTERÍSTICAS GENERALES
*Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida humilde y trabajadora,
expuestos con sentido de crítica social.
*Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos.
*Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio e interés por los
contrastes del claroscuro.

IMPRESIONISMO
La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en
1874 y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos
que no veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar la cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a través de las cuales se ven los objetos, pues su condición determina la apariencia de estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura fue resultado del nuevo análisis científico de los colores. El fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre la base de que a nivel cerebral las manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da por resultado un color verde si se miran desde cierta distancia. Este principio lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus lienzos. La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro del espectador el que los una para formar así las figuras.

EXPRESIONISMO
Fue un movimiento artístico plástico emparentado con la literatura; nace en 1890
en Alemania y en los países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el siglo XX. Destacan en este movimiento los artistas plásticos Edward Munch,
Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges Rouault. La pintura
expresionista busca y logra expresar violentas emociones, va de dentro hacia
fuera, al contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su objetivo
fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador, por medio de
sentimientos y emociones del artista, expresados con audacia de formas y rígido
colorido.

FAUVISMO
En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos artistas
eran fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero
como estilo ejerció una influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del siglo XX. El fauvismo derivó de los fuertes colores y las vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y
los atrevidos esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio que ambos
demostraron por las cualidades académicas formales de la composición. Henri
Matisse, primera figura del grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en
rojo, deja presente la intensidad fauvista del colorido, aunque usado con
resultados bastantes diferentes, ya que naturalmente se considera al rojo como
color brillante que produce gran excitación y en este cuadro el efecto de la
composición da una sensación de profundo reposo.

CUBISMO
Este movimiento artístico surge en Francia hacia 1907, y se extiende por todo el
mundo. Se inspira en los postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges
Seurat; su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero
fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se
representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la
perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos. El color fue, virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea del objeto. Como creadores del movimiento cubista podemos nombrar a importantes personajes como Pablo Picasso y Georges Braque. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tendencia.

FUTURISMO
Fue un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto Boccioni y Carlo Carrá; su propósito era despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida
desde fines del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto de lo
antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos. El futurismo, exigía un nuevo
concepto artístico basado en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas
era fundamental y peculiar de la vida moderna. El símbolo más venerado por los
futuristas era el automóvil de carreras; en esencia la pintura futurista era retrato
del movimiento relacionado con el cubismo analítico por su fragmentación, pero
así como el cubista ve un objeto estático desde varios ángulos moviéndose
alrededor de él, en el futurismo el espectador está quieto mientras el objeto se
mueve. Por tanto, en el dibujo, la representación futurista del movimiento
simultáneo de un perro que trota por la calle, puede tener veinte patas y seis
colas, con efecto parecido al de una larga exposición fotográfica de algún objeto
que se mueve.

SURREALISMO
Este movimiento vanguardista no se circunscribió a un solo lugar geográfico y su
manifestaciones son tan variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul
Klee, Man Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy, fueron sólo algunos de los
artistas que tomaron parte activa en el grupo de los pintores surrealistas. El
Surrealismo, libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del
concepto de espacio heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al artista
para expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el
psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo
supo dar cause a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad
surgida de la primera posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924 a
1928. Como ideal estético se propone lo maravilloso, reuniendo dos objetos
incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no
era "hacer arte", sino explorar posibilidades.

ABSTRACCIÓN
Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por
encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad,
llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla. El arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y colores; sin embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del período prehispánico, etc., se puede ubicar en ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas.